En el Frontón México, pantallas gigantes se iluminan con imágenes de obras de la pintora mexicana, reflejo de su talento y virtudes, pero también de su sufrimiento y desamor
Dos promotoras de espectáculos se han dado a la tarea de emprender una de las exposiciones más ambiciosas y esperadas en lo que va del año, luego de un largo periodo sin teatros, conciertos o cines.
Desde el 6 de julio pasado, la experiencia inmersiva Frida está abierta al público en el edificio del Frontón México. Se trata de un acercamiento al arte, que nos recuerda que, en la era del capitalismo salvaje cualquier cosa es posible.
El arte, que en el Renacimiento era considerado como un resurgimiento de los valores clásicos, en nuestra era ha pasado a ser un sinónimo de experiencia.
El público está deseoso de poder acercarse al arte, una actividad que antes estaba vetada para los neófitos porque era implícitamente exclusiva de una clase con poderío económico y capital cultural.
Ahora, la tecnología nos permite experimentar el arte hasta tal punto que el espectador puede fundirse con la obra durante algunos minutos.
Frida ofrece la posibilidad de llevar la experiencia artística a cada uno de los sentidos y de vivirla en alta definición.
El recorrido virtual
A la exposición podrá ingresarse por un precio que va, dependiendo del día, de 280 hasta los 360 pesos; el horario de las visitas entre semana esta programado de 10:00 a 15:00, mientras que los fines de semana se abre otro bloque de visitas de las 16:00 a las 19:00 horas.
El recorrido virtual, dicen los organizadores Ocesa y Cocolab, no dura más de 45 minutos, tiempo en que el espectador podrá sumergirse en las 26 animaciones que paulatinamente desfilan entre las pantallas monumentales y las cortinas.
El tiempo puede variar, hay quienes después de verlas durante unos momentos, tomarse la respectiva selfie y sorprenderse con los sonidos de alta definición que emulan los de la naturaleza, salen del pequeño pabellón en donde son proyectadas.
El espacio, un pequeño pabellón de pantallas gigantes, es un poliedro de figuras. A cada segundo cambian de forma, de color y de lugar. Todas las escenas evocan algún periodo estético de la pintora mexicana y mártir del arte, Frida Kahlo.
Cada cierto tiempo se construyen y se destruyen en miles de millones de pixeles algunas de las obras de la mexicana, todas icónicas, trágicas y personales.
Diego y Frida, una obra de 1944, es una de las imágenes más poderosas de esta experiencia, no solo porque el fondo escandalosamente rojo sobresale de entre las pantallas, sino porque sintetiza puntualmente la relación que los creadores llevaron hasta la muerte de ella.
Se trata de un corazón humano gigante, partido por la mitad. Del lado derecho tiene el inconfundible rostro de Frida y del izquierdo, el rostro difuminado del muralista Diego Rivera.
El corazón está hecho con una tonalidad que recuerda el vínculo cercano que Frida mantuvo con la naturaleza folclórica. En suma, es el reflejo de un amor que sintió vital para su propia existencia. La figura de Diego, como maestro, como intelectual revolucionario, como amante, fue para ella el nacimiento y destrucción de su propio amor.
Como esta imagen hay otras 24 que aparecen y desaparecen. Imágenes que recrean otras imágenes que hablan sobre el dolor, el talento, la identidad, el desamor y las virtudes de una de las pintoras mexicanas más aclamadas en el último medio siglo.
El venado herido (Méx. 1946); Columna rota (Méx. 1944); o Autorretrato con collar de espinas (Méx. 1940) plasman el constante dolor y tragedia en que vivió la pintora tras un fatal accidente que la dejaría lisiada hasta su muerte.
Presa de un corsé que la ayudaba a mantener unida su columna, Frida realizó algunas de sus obras más importantes postrada en su casa deCoyoacán, una locación que cambiaría tras su matrimonio con el muralista a una casa-estudio construida por el arquitecto funcionalista Juan O´Gorman al sur de la capital.
El traje de tehuana exquisito que solía usar en sus días de convalecencia, su relación con la vida, el sufrimiento y la muerte aparecen desdibujados en las formas virtuales que se proyectan en la pequeña instalación, a la que sin duda, le faltaría un espacio mayor.
Dolor y liberación pictórica
Desde su nacimiento, en 1907, el sufrimiento estuvo presente en la vida de la niña bautizada como Magdalena del Carmen Frida. A los seis años contrajo poliomielitis, lo que derivó en una primera convalecencia de nueve meses.
Pese a los intentos por recuperarse, su pierna derecha quedó maltrecha.
A los 18 años ocurrió el accidente que marcaría su obra y su vida.
Mientras viajaba en autobús junto a su novio Alejandro Gómez, un tranvía se estrelló contra el autobús en que iban. La joven sufrió múltiples fracturas, un pasamanos le atravesó la pelvis; su columna se fracturó en tres, su pierna derecha en once, costillas y clavículas quedaron dañadas.
El accidente le impuso unas condiciones de vida terriblemente dolorosas. Los médicos de la época trataban de unir las partes rotas con corsés de yeso y mecanismos de estiramiento.
Un dolor que visto en sus pinturas parece alejarla del sufrimiento físico que padeció para mitificarla.
El accidente destapó una relación poco explorada, pero muy idealizada entre la pintora y su cuerpo, del que alguna vez dijo: “tengo que usar faldas abultadas y largas ahora que mi pierna enferma se ve tan horrible”.
El motivo de su pintura era ella misma, la persona a quien mejor conocía. La recuperación la obligó a permanecer en cama, en donde le adaptaron un atril a la medida para pintar y un espejo sobre la cama para que pudiera verse.
Comenzó a pintar por afición, pero en cuestión de años desarrolló un estilo propio que emanaba de maestros del Renacimiento, de importantes surrealistas y cubistas.
Frida se relacionó con distintas corrientes e intelectuales de izquierda, que la dotaron de un pensamiento crítico y la hicieron adoptar la cultura mexicana como un símbolo de identidad, que a su vez ayudaba a ocultar desperfectos físicos.
Los trajes pomposos, con coloridos tradicionales, sus trenzas a la cabeza, la omisión de los cánones de belleza vigentes y las reglas de género, la convirtieron en una figura fascinante.
Idónea para ser escudriñada, mitificada y querida. Una condición que en ocasiones escapa al dolor permanente del que fue presa.
Del corsé al lienzo
Al inicio de su matrimonio con Diego, la pintora sufrió un aborto espontáneo; el accidente también le dejó secuelas reproductivas. Sus sentimientos encontrados sobre la maternidad y el deseo de formar una familia con Rivera fueron otros de los temas recurrentes en su obra.
En diversas etapas se inclinó hacia la maternidad con todas las fuerzas que su cuerpo siempre enfermo le permitió.
Columna rota, pintada tras una de las cirugías más dolorosas, la muestra con un corsé de metal, con lágrimas en los ojos que no son de tristeza sino de fuerza. Porque a pesar de todo, Frida enfrentó con cierta resignación y mucha entereza los estragos a su cuerpo, a su matrimonio, a su condición de mujer.
Los corsés terminaron convirtiéndose en lienzos. Frida es autora de más de 150 obras pictóricas, fotográficas y escritos.
Feminista, sin prejuicios ante el amor lésbico, Kahlo se hizo poseedora de un nombre y personalidades únicas ligadas a su dependencia de los fármacos para el dolor: la morfina y el alcohol.
Una vida única, como tantas otras, con múltiples lecturas, amores y problemas.
La obra de Frida Kahlo, un legado sobre la artista, la rebelde, la enferma, es sobrevalorada estéticamente por los grandes públicos, pero existe una condición estética innegable que armoniza pacientemente con la historia de la mujer.
